Канонический характер искусства Древнего Египта. Организация и принципы обучения рисованию в Древнем Египте. Методические пособия в обучении рисованию.
Реалистический характер древнегреческого искусства. Вклад художников Древней Греции в развитие теории и практики изобразительного искусства (Поликлет, Паррасий, Агафарх, Апполлодар Афинский и др.). Особенности обучения изобразительному искусству в Древней Греции. Частные мастерские – художественные школы Древней Греции. Памфил о роли рисования в познании закономерностей природы.
Искусство Древнего Египта определялось канонами, которые предписывали правила изображения фигуры человека, пейзажа и т.д. Правила предписывали изображения лица в профиль, плечи в фас, ноги в профиль. Живопись представлена росписью стен - фреска. Особенность - плоскостной характер изображения перспективы.
В Древнем Египте единицей измерения фигуры была длина среднего пальца руки. Высота фигуры составляла 19 пальцев(21 палец с шапкой).
В Древнем Египте можно говорить о двух направлениях в обучении рисованию:
Обучение рисованию в школе. (Связано с обучением письму из-за характера древнеегипецких букв, входили элементы черчения).
Подготовка профессиональных художников, скульпторов. (Мемфисская школа архитекторов и скульпторов при дворе фараона, прошедшие обучение в последствии работали над созданием храмов и пирамид).
Обучение рисованию строилось не на изучении натуры, а на заучивании выработанных школой правил.
Складывается копировальный метод обучения. До настоящего времени сохранились специальные пособия для обучения рисованию. (Пособия представляли собой лист папируса, расчерченный на клетки с изображением фигуры человека, дети рисовали на глиняных дощечках).
В Древнем Египте изучению природы и внутреннему строению человека не уделялось внимания. Процесс обучения – копирование канонов. (Методика обучения – многократное копирование образцов).
Если художник изображал рядом мужчину и женщину, взрослого и ребенка, он строил фигуры их по одному и тому же канону, одну — крупных размеров, а другую — маленькую. Разница в росте и конфигурации зависела не от пропорций, а от социального положения.
Рисовали египтяне углем, кистью, красной и черной красками.
Методы преподавания рисования в Древней Греции.
В это время происходит значительное изменение в мировоззрении людей, изменяется и характер искусства. Реализм и изучение окружающего мира – основа искусства.
В Древней Греции занимались изучением пропорций человека (В 432 году до н. э. скульптор Поликлет написал сочинение о пропорциях человеческого тела. Для иллюстрации своей теории он создал статую «Дорифор», которая служила и образцом для рисования, иллюстрацией канонов мужской фигуры). Искали совершенный пропорции, гармонию с помощью математики.
Греческие художники изучали пластическую анатомию (работали с трупами, преступниками - их изучали художники)
Бронзовые скульптуры делали в др. Греции - они не сохранились, остались римские мраморные копии.
Греческие художники ввели светотень и перспективу (Поладон Афинский – первый художник, который смешивал краски между собой и использовал градации света и тени).
Существует особая теория перспективы – стерео перспективы (Несколько линий горизонтов и точек схода).
В Древней Греции существовали школы для подготовки профессиональных художников (В IV веке до н. э, в Греции существовало уже несколько прославленных школ рисунка: Сикионская, Эфесская и Фиванская). В этих школах учились не только основам рисунка, но и подготовке материалов для работы. Процесс обучения длился около 12 лет.
По инициативе Понфила (Сикионская школа) – рисование было введено в обычных школах. Рисовали и писали на буковых дощечках покрытых воском или специальным грунтом - левкасом белого цвета.
Заключение: Греческие художники-педагоги призывали своих учеников и последователей непосредственно изучать природу, наблюдать ее красоту, совершенный образец которой представляет человеческая фигура. Они говорили, что пропорциональная соразмерность частей человеческого тела в своем единстве создает гармонию. Греческие художники впервые в истории развития рисунка ввели в употребление светотень и дали образцы перспективного построения изображения на плоскости.
Художественные мастерские эпохи Возрождения. Ченнино Ченнини и его труд "Тракт о живописи". Теоретическое наследие Ж.Б. Альберти, Леонарда да Винчи, А.Дюрера.
Художники стремятся возродить античную культуру, собирают, изучают памятники. Методическая последовательность, система рисования:- знакомство с точки и прямой, затем с углами переходя к плоскости, переходя к объемным телам;- знакомятся с разными закономерностями линейной перспективы, со свойства лучей зрения;- знакомство с воздушной перспективой. Большое значение придает личному показу учителя. В эпоху Возрождения было восстановлено высокое уважение к рисунку — основе всех искусств. Микеланджело писал, что рисунок -есть высшая точка и живописи, и скульптуры, и архитектуры; рисунок - источник и корень всякой науки. Основой всех наук был рисунок, обучение которому шло по строгой системе. Вначале ученики рисовали на буковых дощечках, затем их посвящали в тайны простейшей живописной техники: учили растирать краски, изготовлять левкас, готовить деревянную доску для станковой картины или стену под фреску. После этого доверяли грунтовку и нанесение фона. Художники эпохи возрождения крупные ученые. Дюрер предлагает метод обрубовки и сквозное Рисунок должны были изучать все, кто занимался искусством, причем его научные положения (законы перспективы, оптики и данные об анатомическом строении человеческого тела) надо было усваивать с карандашом в руках, сверяя с натурой. Постановка обучения изобразительному искусству. Мальчика 10-12-ти лет родители отдавали для обучения к какому-нибудь мастеру, и он с первых же дней начинал знакомиться с ремеслом своего учителя. К 18-ти годам ученик становился подмастерьем. Теперь учитель мог доверить ученику исполнение отдельных частей заказных работ. Так было с Леонардо да Винчи, который во время учебы у Верроккио написал ангела на его картине «Крещение Христа». После 6-8 лет обучения ученик мог оставаться в качестве помощника у своего учителя, но мог и перейти к другому мастеру. Так же имел право менять мастерскую и даже специальность — стать гравером, живописцем, скульптором. У наиболее крупных художников воспитанники изучали ювелирное дело, литературу, математику, скульптуру, живопись и архитектуру.
линейно-перспективное построение головы. Перспективу открыл Альберти, описал в книге. Первый по времени научный труд — «Трактат о живописи» — принадлежит Ченнино Ченнини.
Положительное:1)о роли рисования с натуры; 2) о роли педагога в процессе обучения; 3)о связи теоретических знаний и практики; 4) о необходимости ежедневных занятий рисунком.
Заслуживает внимания и указание Ченнино Ченнини о методической последовательности в работе над композицией: «Начинай рисовать с образца легкой вещи, рисуй как можно больше, чтобы упражнять руку, легко касаясь дощечки штифтом, чтобы то, что ты начал рисовать, было едва заметно, постепенно усиливая штрихи, по нескольку раз возвращаясь к теням». Ченнино Ченнини -рисование на цветной бумаге есть переходная ступень от рисунка к живописи.
Недостатки:1) слишком большое внимание уделяет копированию рисунков мастеров, предлагает копировать через кальку; 2)предрассудки («Пропорции женщин я оставляю в стороне, так как в них нет совершенных мер», «у мужчин слева на одно ребро меньше, чему женщин»); 3) скрывает некоторые секреты мастерства, излагает их на условном, символическом языке.
Леон Баттиста Альберти (итальянец) - «Три книги о живописи», « 10 книг о зодчестве» .
Основные методические положения обучения рисунку:
1)Обучение проводить на строго научных обоснованиях.2)Разъясняет основные принципы перспективного построения формы предмета на плоскости.3)Рисование – не механическое упражнение, упражнение ума.
4)Принцип от простого к сложному(от рассмотрения точки и прямых линий, затем ознакомление с углами, потом с плоскостями, наконец, объемными телами).5)Метод личного показа, метод наглядного обучения. Следующей по времени работой в области теории рисунка является «Книга о живописи» Леонардо да Винчи.
Как известно, этот трактат составлен не самим Леонардо да Винчи, а его учеником, Франческо Мельци, которому Леонардо да Винчи завещал все свои труды.
В этой книге собраны самые различные сведения: о строении Вселенной, о возникновении и свойствах облаков, о скульптуре, о поэзии, о воздушной и линейной перспективе. Здесь есть указания и о правилах рисования.
Сравнивая этот труд с трактатом Альберти, мы ясно видим, что в области рисунка Леонардо да Винчи не выдвигает новых методов и принципов, в основном он повторяет уже известные положения. Однако эрудиция Леонардо да Винчи в самых различных областях знания, глубокое и всестороннее знание изобразительного искусства делают его выводы значительными и ценными, более глубокими.
В книге затрагиваются такие вопросы:-строение человека и животных, включая мышцы и нервы;-каким должен быть живописец;-содержание обучения художника;-последовательность обучения;-важность рисования по памяти;
-о перспективе, цвете и красках
-о том, как изображать лицо, фигуру и одежды; освещение, окружение, эмоции.
Его отдельные высказывания о методах обучения не утратили своего значения и в настоящее время.
"Руководство к измерению " А. Дюрера. А.Дюрер и его исследования о пропорциях человеческого тела. Методические идеи А. Дюрера.
Альбрехт Дюрер (1471 -1528) — крупнейший немецкий живописец и гравёр, выдающийся геометр и инженер-фортификатор, родоначальник европейской акварели, механик, архитектор и теоретик искусства. Художник соединил открытия итальянского Ренессанса с художественными традициями северной Европы.
Сочинения Дюрера во многом способствовали дальнейшему развитию методики преподавания рисования.
Дюрер считал, что в искусстве нельзя полагаться только на чувства и зрительное восприятие, а в основном необходимо опираться на точные знания.
Сочинения Дюрера отличают гуманистические идеи. Во введении к «Трактату о пропорциях» (1513) Дюрер пишет: «О пользе учения. Поэтому необходимо, чтобы тот, кто что-либо умеет, обучал этому других, которые в этом нуждаются ».
Второе, наиболее значительное сочинение Дюрера — «Учение о пропорциях человека» . Художник пытался найти правила построения человеческой фигуры через геометрическое доказательство и математические расчеты.
Результатом многолетних занятий Дюрера явилась книга «Наставления в измерении циркулем и линейкой». В этой книге он изложил ряд правил перспективы и впервые предложил пользоваться при перспективном проектировании методом ортогональной (прямоугольной) проекции
Особенно большую ценность для художественной педагогики представляет разработанный Дюрером метод обобщения формы (позднее получивший название обрубовки).Метод обрубовки помогает начинающему рисовальщику правильно решать тональные задачи рисунка.
При обучении рисованию с натуры Дюрер предлагает:
-внимательно следить за характером формы натуры
-тщательно изучать натуру.
Серьезное внимание уделяет Дюрер личному показу при обучении рисованию.
Создание государственных учебных заведений по подготовке художников. Основные отличия государственных учебных заведений от частных художественных мастерских. Болонская Академия братьев Каррачи и формирование основных принципов академического образования. Последовательность обучения рисунку в академическом образовании. Франция - художественный центр Западной Европы (со 2 пол. XVII века). Французская Академия художеств и «классицизм».
XVII век - период становления рисования как учебного предмета и развития новой педагогической системы преподавания — академической. В это время создаются специальные учебные заведения — академии художеств и художественные школы.
Академии значительно отличаются от частных художественных мастерских:
-финансируются государством
-строятся специальные здания
-работает большое количество преподавателей со своей спецификой
-создаются библиотеки
-формируются собрания картин известных художников, гипсовых моделей и др.
Преподаватели академий прежде всего думали о том, как усовершенствовать методику, как облегчить и сократить ученикам процесс усвоения учебного материала. Методика обучения и воспитания должна строиться на научных основах, утверждали они; искусство, успех художника — это результат научного познания и серьезного труда.
Самой прославленной была Болонская академия художеств, основанная Людовиком Карраччи и его двоюродными братьями — Агостино и Аннибале. Карраччи считали, что достижение высот в искусстве живописи прежде всего зависит от правильного научного обоснования отдельных положений рисунка и живописи.
Карраччи впервые стали рассматривать рисование как серьезный и самостоятельный учебный предмет.
Система обучения рисунку у Карраччи была следующая: вначале учащиеся знакомились с элементарными приемами рисования, затем рисовали с образцов, после чего приступали к изображению гипсов и, наконец, живой натуры, причем досконально изучалась пластическая анатомия человека.
Академическая школа Карраччи давала хорошие результаты. В академии была разработана настолько стройная и эффективная система обучения и воспитания молодых художников, что по ее примеру стали открываться государственные академии: Королевская академия живописи и скульптуры в Париже (1648 г.), Академия художеств в Риме (1660 г.), в Вене (1692 г.), в Берлине (1696 г.), Академия Сан-Фернандо в Мадриде (1753 г.), Академия трех знатнейших художеств в Петербурге (1757 г.) и Академия художеств в Лондоне (1768 г.).