201
Наиболее радикальным художественным течением, достигшим своего апогея в 1907-1914 годах, стал кубизм. Сам термин произошел от выражения одного из критиков того времени, назвавшего новые произведения Брака и Пикассо, основоположников кубизма, «кубическими странностями». На становление кубизма повлияла популярная в то время африканская скульптура, свободно обращавшаяся с формой: голова статуи могла быть больше тела, и при этом фигура выглядела очень выразительно. Другим толчком к появлению кубизма послужили слова постимпрессиониста Поля Сезанна: «трактуйте природу посредством цилиндра, шара, конуса…». Художники кубисты пытались решить проблему разложения формы в излюбленных ими жанрах портрета, пейзажа, натюрморта. Видимый мир воспроизводился в живописной форме, но начисто отвергалась перспектива, предмет виделся с разных сторон одновременно. У кубистов двухмерные и трехмерные формы смешиваются в пространстве и создают сложную архитектуру линий и планов, в результате чего мотив, увиденный с бесконечного количества сторон, меняется до неузнаваемости. Живопись становится почти абстрактной, палитра – монохромной.
Признанный глава художественного авангарда Пабло Пикассо (полное имя Пабло Руис и Пикассо, 1881-1973), родился в Испании, городе Малаге, в семье преподавателя рисования. Художественная одаренность обнаружилась очень рано, что было отмечено и поддержано родителями. Пикассо вначале учился в Барселоне, в школе изящных искусств, а в 16 лет был принят в Академию художеств в Мадриде, где большую часть времени проводил в музее Прадо. В 1900 году он приехал в Париж, где открыл для себя великих импрессионистов. В 1901 году Пикассо впервые выставляет свои картины в галерее известного коллекционера и продавца картин Амбруаза Воллара. С 1901 по 1904 год продолжается «голубой период» в творчестве художника. Он отказывается от ярких красок, сосредоточив внимание на различных оттенках голубого цвета. Картины этого периода пронизаны чувством тоски и одиночества, отмечены даже некоторой болезненностью, характерной для рубежа веков, они отличаются манерным и холодным стилем, что подчеркивает их
202
трагичность. Таковы «Портрет поэта Сабартеса» (1901 г.), «Любительница абсента» (1902 г.), «Жизнь» (1903 г.) и другие.
Около 1905 года Пикассо вступил в свой «розовый» период, колорит стал более теплым, формы обрели мягкость очертаний, деталям стало уделяться больше внимания. П. Пикассо словно дает волю своему испанскому темпераменту: его излюбленными героями стали акробаты, актеры, гимнасты. Они написаны как будто спонтанно, без холодной расчетливости первого периода. Это «Семейство акробатов с обезьяной», «Девочка на шаре» (обе 1905 г.), «Туалет» (1906 г.). В эти годы он знакомится с Матиссом и усиленно изучает творчество Сезанна.
В1907 году Пабло Пикассо показал друзьям полотно «Авиньонские девицы», в котором он отверг иллюзорную трехмерность, перспективу, светотень. Поверхность картины – и фон и тела пяти обнаженных женщин
-была рассечена на геометрические сегменты. Выглядели «девицы» как грубо вытесанные древние идолы. Даже самые тонкие ценители и знатоки современного искусства не сразу приняли находки, сделанные Пикассо, который и в последующих картинах продолжал дробить предметы и фигуры на составные части, упрощая их до строгих геометрических форм кубов, конусов, полусфер, цилиндров, отчего большие цельные объемы распадались на множество мелких, как в «Портрете А. Воллара» (1910 г.).
В1912 году Пикассо занялся коллажем - «Ноты и гитара», который способствовал переходу от аналитического кубизма к синтетическому. Кубизм в его аналитическом варианте разлагал предмет на реальные элементы, абстрагируя его от действительности, а синтетический кубизм имел целью не абстрагировать объект от реальности путем его разложения на части, а скорее помочь идентифицировать его, устанавливая связи между разрозненными элементами. В коллаже клочки газет, обоев, нот уводили от чистой абстракции, восстанавливая, посредством букв, связь с конкретными вещами. Такие приемы Пикассо позже станет использовать в картинах, даже будет прибегать к более ярким краскам, чтобы через синтетическую форму восстановить связи между элементами и сделать их более узнаваемыми. Коллажи привели Пикассо к декоративности и наметили отход от кубизма, как в «Женщине, сидящей перед камином»
203
(1914 г.). Художник вырабатывает новый стиль, вернувшись к классическому способу изображения. Женщины, которых он писал в это время, кажутся колоссальными по пропорциям, а складки их туник напоминают каннелюры античных колонн – «Три женщины у источника» (1921 г.). Пикассо стал уделять больше внимания моделировке объемов, хотя часто обращался и к плоскостным композициям, лишенным какихлибо пластических эффектов.
В 1922 году Пикассо сблизился с сюрреалистами, и их методы тоже долгое время влияли на его живопись, что проявилось в таких картинах, как «Танец» (1925 г.). Путешествуя по Испании, в 1934 году Пикассо увлекся искусством гравюры и создал целую серию «Минотавромахия», исполненную в 1935 году и отражавшую события, предшествующие Гражданской войне в Испании. Пикассо с самого начала этой войны был на стороне антифашистов республиканцев, и его знаменитое полотно «Герника» (1937 г.) выражает его отношение к режиму генерала Франко (см. приложение рис. 22).
Поводом для написания «Герники» послужило разрушение Герники – испанского города в Стране басков в базарный день 26 апреля 1937 года. Средь бела дня фашистская авиация обрушила на беззащитный город сотни бомб. Из 7000 горожан 1654 были убиты и 889 ранены. Картина построена как триптих – центральное изображение обрамлено двумя створками. Это светская, а не церковная живопись, но содержащаяся в них сила эмоционального воздействия позволяет критикам сравнивать ее с алтарной живописью.
Сдержанный колорит отвечает сюжету картины, в которой множество воздетых к небу рук, словно пытающихся остановить летящие с неба бомбы. Среди сложных кубических фигур «Герники» образ матери, с рук которой безжизненно свешивается мертвое тело дитя, ближе всего к традиционной живописи. Вопль матери показан в виде языка, напоминающего кинжал или осколок стекла, похожие осколки рассеяны по всей картине. Бык в картине является олицетворением тупой жестокости, а конь, по признанию автора, представляет народ. Язык коня, как и у матери с младенцем, - запечатленный крик отчаяния, а лампочка над
204
головой коня напоминает изображения всевидящего ока Божьего, но даже ее свет кажется воплем ужаса. Две женщины смотрят на раненого коня со страхом и скорбью. По смыслу и чувству эта сцена напоминает изображение распятого Христа в присутствии трех Марий. Очевидно, Пикассо искал свой, современный способ поведать о человеческом страдании, не прибегая к явной христианской символике. На переднем плане слева изображена отсеченная голова, в центре – оторванная рука, символы дикости и бессмысленности войны. Внизу картины – изображение цветка, который, вероятно, можно истолковать как символ надежды на то, что жизнь все равно восторжествует, как бы война ни пыталась ее уничтожить. Ужас, пронизывающий хаотическую картину бомбежки, особенно силен рядом с трогательной нежностью цветка. В этой композиции, как и в других, созданных в 30-40-е годы, у художника чередовались сюрреалистические видения с абстрактными изображениями. По мнению исследователей творчества Пикассо, эта способность работать одновременно в разных и во многом противоположных по характеру стилях являлась проявлением его гениальности.
В последние годы Пикассо стремился к большему единству стиля, его искусство обрело более устойчивые формы, например, в серии «Художник и модель» (1940-е –1950-е годы). Он открыл для себя керамику, занимался скульптурой, рисунком и гравюрой. Его палитра под воздействием окружающей «средиземноморской» природы, где он жил в замке Гримальди, ставшем при жизни Пикассо его музеем, стала более яркой и темпераментной. Примером позднего творчества может служить картина 1965 года – «Гитарист». До конца жизни великий мастер сумел остаться нонконформистом, настоящим первопроходцем, вобравшим в себя целую эпоху современного искусства.
Новые течения в искусстве нередко заявляют о своем появлении публикацией художественных программ и, как правило, всячески ниспровергают предшествующие «открытия». В громкости подобных заявлений не было равных представителям футуризма (от лат.futurum – «будущее»). Определяющим признаком искусства будущего стало прославление машин, индустриализации, урбанистической цивилизации
205
через динамику движения. Передавая движение, итальянские художники, именно они стали проповедовать футуристическую живопись во главе с поэтом Томмазо Маринетти (1876-1944), стали разбивать и фиксировать этапы ходьбы, бега, жеста, а потом, как в мультипликации, совмещали все эти элементы, показывая фазы движения одновременно. В их манере членить объемы заметно влияние кубистической живописи, которую они упрекали за «застылость». Подчас разложение движения доводит изображение до абстракции, как, например, в циклах Джакомо Баллы (1871-1958) «Скорость-пейзаж» (1912 г.), «Линия-Скорость-Вихрь»
(1914 г.).
В модернизм входили еще такие течения, как неопластцизм, дадаизм, метафизическая живопись и другие, среди которых наиболее известным считается течение сюрреализма.
Слово cюрреализм (франц. surrealisme - «сверхреальность») уже давно превратилось в общеупотребительное понятие, которым обозначают все странно сочетаемое, удивительное, фантастическое, оторванное от реальности. Как художественное течение сюрреализм провозгласил источником искусства сферу подсознательного (инстинкты, сновидения, галлюцинации), а его методом – разрыв логических связей, замененных субъективными ассоциациями. «Сюрреализм как выражение нетрадиционных субъективных взглядов существовал в изобразительном искусстве всегда. Голландский живописец фантастического мира Иероним Босх, английский художник и поэт Уильям Блейк, немецкий живописец Каспар Давид Фридрих с их странными, таинственными пейзажами и героями – все они были неустанными исследователями ирреальных миров». (Швинглхурст Э. Сюрреалисты. М., 1998. С.24).
Как школа изобразительного искусства сюрреализм возник в Париже в 1924 году. Его основатели – поэт Андре Бретон и художник Андре Массон считали, что традиционной западной культуре больше нечего предложить миру, поэтому необходим полный разрыв с этой культурой. Их умозаключения были подтверждены философией Анри Бергсона, заявившего, что суть явлений можно постичь лишь интуитивно, а также теорией Зигмунда Фрейда о бессознательном, как важнейшей сфере