Материал: 5318

196

moderne – «новейший», «современный»). В первые десятилетия ХХ века многие мастера модерна восставали против традиционных форм, однако, как и предшественники, они стремились творчески воплотить черты материального и духовного мира; недаром в последнее время наследие модерна (по-другому авангарда) признается равноправной частью мирового искусства. Направление модерна вобрало в себя принципы предыдущих стилей и интерпретировало их исходя из вкусов и технических возможностей своего времени, став в свою очередь стилем синтетическим, эклектичным - своеобразной попыткой соединения традиций Востока и Запада, античности и Средневековья, классицизма и романтизма.

Главным критерием красоты модерн провозгласил целостность художественного замысла, начиная с проектирования здания и оформления интерьера декоративными панно, витражами, живописью, графикой - до мебели, светильников, решеток, посуды, даже украшений и одежды.

В основных национальных школах модерн начинался в графике и прикладном искусстве и постепенно втягивал в свою орбиту архитектуру. В последующие годы именно в архитектуре стиль модерн проявился с наибольшей полнотой.

На раннем этапе становления модерна ведущую роль сыграла Англия, так как именно английский художник-дизайнер Уильям Моррис (18341896) почувствовал, что индустриализация пагубно влияет на художественные вкусы. В своем творчестве он вернулся к ручному, штучному труду, его ковры, гобелены, обои, изразцы, выполненные вручную, положили начало новому движению в искусстве Англии, которое стало называться «modern stile». Во Франции новые поиски в искусстве получили название «ар нуво», что значит «новое искусство», и одним из первых его представителей стал художник Эмиль Галле (1846-1904), создавший изделия из стекла в форме изысканных растительных стилизаций. Его поиски в области дизайна продолжили соотечественники, художники по стеклу и знаменитые ювелиры - Р. Лалик и Л. Тиффани.

197

В архитектуре модерна выделились несколько направлений:

национально-романтическое, пластическое, классицистическое и рациональное. Формирование национально-романтического стиля в архитектуре связано прежде всего с работой английских архитекторов, опиравшихся на романтическую традицию, сочетавшую средневековую и народную архитектуру, Известным примером здания, построенного в «готическом народном» духе, стал знаменитый «Красный дом», построенный Уильямом Моррисом в Беркли Хилл, достижения которого были в дальнейшем подхвачены многими архитекторами.

Признанным лидером испанского модерна в его национальноромантической интерпретации стал Антонио Гауди (1892-1926). Во всех зданиях Гауди, в первую очередь в его главном, известном творении – соборе Саграда Фамилиа («Святое семейство»), построенном в Барселоне, нет ни одного прямого угла. Конструкция незаметно переходит в скульптурное изображение, а затем - в живопись или мозаику. Собор часто называют «энциклопедией Гауди»: вся архитектурная фантасмагория, состоящая из причудливых существ, фигур людей и животных, дополняется цветом ярко окрашенных черепков и кусков стекла, переливающихся на солнце (см. приложение рис. 21).

Постройка собора была задумана Гауди как своеобразная евангельская энциклопедия – собрание сюжетов и образов из Нового завета, которые дают представление о земной жизни Иисуса Христа. Главный фасад посвящен Рождеству Богоматери, его врата – основным христианским добродетелям. Шпили символизируют апостолов, на внутренних дверях изображены десять заповедей; на капителях колонн – добрые дела, а на их основаниях (базах) – грехи. По мысли архитектора, все фасады собора должны быть покрыты облицовкой из разноцветной керамики и цветного стекла, чтобы сияли под лучами солнца. У храма три портала и несколько уровней; над близлежащими улицами перекинуты лестницы, благодаря чему в его композицию включены соседние участки городской застройки. Гауди не успел достроить собор, он трагически погиб, попав под трамвай в возрасте семидесяти четырех лет.

198

Стремление архитектуры ХХ века к необычному нашло яркое воплощение в «пластическом» искусстве модерна, яркими представителями которого были бельгиец Виктор Орта (1861-1947) и француз Гектор Жермен Гимар (1867-1942). В качестве нового стилистического языка, не имеющего аналогов в прошлом, ими была выбрана причудливо изогнутая, пластическая линия вьющихся, волнистых цветов и растений: лилий, ирисов, камышей и т.д. Наиболее известны особняки и отели, построенные Орта в Брюсселе – дом Тасселя, дом Сольве и Отель ван Этвелде. Гимар прославился строительством станций французского метрополитена, которым он стремился придать художественный облик, его успехи в этом были столь значительны, что даже появился термин «стиль метро».

Одним из направлений модерна, стремящегося противостоять разностилью, стало обращение к традициям классицизма. Зарождение

монументальность, помпезность.

Совершенно новым в архитектуре модерна, получившим интенсивное развитие в ХХ веке стало рациональное направление, возникшее как результат влияния технического прогресса на архитектуру: стали применяться металлические конструкции и каркасы, позволявшие создавать большие остекленные поверхности фасадов. Стекло и металл стали основой предельно простых архитектурных форм. Выпущенные серийным методом металлические конструкции привносили в здания единообразие, что стало восприниматься как «рациональность».

В рационалистических рамках модерна зародилась промышленная архитектура, проникнутая индустриальным духом. Фабричные здания, рабочие корпуса, дома для рабочих отражали эстетику простоты и аскетизма.

Влияние промышленной архитектуры на гражданское строительство обусловило появление конструктивизма, зачинателем которого был Ле Карбюзье (1887-1965). В своих конструкциях он широко использовал

199

бетон, структуру ячеек, передвижные перегородки в интерьере. В 1929 году швейцарец создал в Москве проект здания Центросоюза, которое было построено в 1939 году.

После Второй мировой войны каждая постройка Ле Карбюзье становилась художественным открытием. Такими были капелла в Роншане, на юге Франции (1950-1955 гг.), монастырь Ля-Туретт близ Лиона (1959 г.), здание Национального музея западного искусства в Токио (1956-1959 гг.), Центр искусства в Кембридже, США (1961-1964 гг.).

В различных модернистских течениях исчезло художественно-образное содержание искусства, исчезло гуманное начало, прервалась «связь времен», нарушились грани, отделяющие одно искусство от другого. Именно поэтому искусство модерна называют «последним большим художественным стилем».

8.4. Основные течения в живописи модерна

Первым художественным течением в живописи модерна, обогатившим культуру ХХ века, принято считать фовизм (от фр.fauve – дикие). Стремление группы художников, в которую входили Анри Матисс, Андре Дерен, Жорж Руо, Альбер Марке и другие к новому живописному языку, яркому, эмоциональному, объединило их на некоторое время: у них было много общих корней – увлечение живописью Гогена и Ван Гога, теорией чистого цвета, восточным и примитивным искусством. Фовисты не считались ни с какими установленными в европейской живописи законами перспективы, светотени, постепенного сгущения или смягчения цвета, первенства рисунка в структуре картины. Дерен призвал фовистов «изображать мир таким, каким нам хочется», а Анри Матисс (1869-1954) писал, что «исходный пункт фовизма – решительное возвращение к красивым синим, красивым красным, красивым желтым – первичным элементам, которые будоражат наши чувства до самых глубин». Именно так был им написан в 1905 году портрет его жены «Зеленая полоса» («Мадам Матисс»), который поразил современников невиданным ранее сочетанием цветов – синего, красного и зеленого и смелым построением форм. Более известны его картины-панно, выполненные по заказу русского коллекционера С.И. Щукина – «Танец» и «Музыка» (оба 1910 г.). Оба

200

панно задуманы как единый ансамбль. Их композиции Матисс построил на контрасте: замкнутый круг из пяти обнаженных фигур, объединенных единым движением в «Танце» и внешне разобщенных, но связанных одним настроем – в «Музыке». Пространство в обеих картинах предельно упрощено, в палитре господствуют всего три цвета: синий, красный и зеленый, фигуры обрисованы гибкими, упругими линиями, создающими музыкальный ритм полотен.

В живописи модерна наиболее крайней школой принято считать абстракционизм – искусство, которое полностью разрывает какие бы то ни было связи с реальной действительностью и оперирует только красками, цветом, формой, линией. У абстракционистов линия и структура форм заменяет собой предмет. По определению французского историка искусства Мишеля Сейфора, «всякое искусство, которое следует рассматривать с точки зрения дисгармонии, антикомпозиции, умышленного беспорядка – есть искусство абстрактное». (Энциклопедия живописи. Изд-во «Трилистник». Москва. 1999. С.6). Всю абстрактную живопись, продолжающую развиваться и сегодня, разделяют на две группы: с одной стороны, геометрическая абстракция, начало которой было положено К. Малевичем, и П. Мондриана; с другой – абстрактный экспрессионизм, где произвольные сочетания форм и цветов призваны выразить неким образом чувства и бессознательные эмоции художника. К художникам этого ряда относят В. Кандинского и М. Эрнста, свободный процесс творчества которых особенно подчеркивает такие черты абстракционизма, как «случайность», «отвлеченность». Наряду с другими модернистскими течениями абстрактная живопись приводила к полному распаду художественного образа, беспредметности.

Пит Мондриан (1866-1944) считал, что универсальный образ мира можно создать посредством прямоугольников разного цвета, разделенных черной чертой. Так появились его различные картины без названия «Композиция А», «Композиция», «Композиция с красным, желтым и голубым», которые состояли из прямоугольных плоскостей, перпендикулярных линий, окрашенных в основные цвета спектра: Мондриан считал, что так он создает новую действительность.