166
кружево, тяжелый бархат, золотистые волосы, создают чудесную симфонию алых, розовых, зеленоватых, серебристо-серых тонов с их неизмеримо богатыми оттенками, неуловимо переливающихся и дополняющих друг друга. И это единство направленных на зрителя взглядов действующих лиц, реальности окружающей их атмосферы создает эффект присутствия, дополнительно подчеркнутый очень низким расположением картины на стене.
Этот шедевр Веласкеса – картина о картине, или рассуждение о живописи, написанное по желанию короля Филиппа IV. Веласкес воспользовался возможностью побудить монарха к размышлению о роли художника при дворе и, в конечном счете, о высоком назначении живописи вообще. Влияние этой картины на последующее развитие живописи трудно переоценить: ее пытались переосмыслить в своем творчестве и Гойя, и Мане, и Пикассо.
Творчество Веласкеса знаменует собой финал великой художественной культуры ХVII века.
Контрольные вопросы и задания
1.Перечислите отличительные черты стиля барокко.
2.Назовите самые известные скульптурные и архитектурные работы Л. Бернини.
3.Почему живопись П.П. Рубенса называют барочной?
4.Перечислите принципы классицизма.
5.К какому направлению относят живопись Караваджо?
6.В чем заключается философский смысл «Возвращения блудного сына» Рембрандта?
7.Вглядитесь в картину Диего Веласкеса «Менины» и определите особенности композиции этого полотна.
ГЛАВА 7. ИСКУССТВО ХVIII-ХIХ ВЕКОВ
7.1. Основные направления искусства XVIII века..
167
Живопись рококо
Искусство ХVII века диктовало человеку свои нормы, как бы поднимая его до себя, как бы держало перед человеком образец высшего совершенства. В XVIII веке вся система подверглась пересмотру. Важным началом в искусстве этого времени было появление течений, не имевших собственной стилистической формы-ордера и не испытывавших потребности в ее выработке.
Первым безордерным стилем европейского искусства за многие века стал стиль рококо, возникший во Франции. Если предыдущие художественные стили складывались в архитектуре, а затем уже распространялись в живописи, скульптуре, прикладном искусстве, то рококо возникло сразу как стиль камерный, стиль аристократических гостиных и будуаров.
Стиль рококо (от франц. rokaille – «раковина»), характеризуется такими характерными чертами, как пристрастие к сложным, изысканным формам, причудливым линиям, напоминающим прихотливый силуэт раковины. Искусство рококо обращено к миру человеческих чувств, неуловимых оттенков настроений. Этот стиль просуществовал недолго – примерно до 40-х гг., но его влияние на европейскую культуру ощущалось до конца столетия.
С середины XVIII века европейское искусство вновь обратилось к античности, что объясняется несколькими причинами, Одна из них – достижения археологии. Начавшиеся в 40-х гг. раскопки Помпей – древнего города в Италии, засыпанного пеплом при извержении Везувия в 79 г. н.э., – открыли удивительные по красоте и богатству памятники искусства и вызвали определенный интерес к античной культуре. Однако более важная причина кроется в распространении идей Просвещения. Просветители, размышляя о совершенствовании личности и путях переустройства общества, приходили к поискам идеала, который они видели в истории и культуре Древней Греции и Древнего Рима. Сложившийся на этой почве стиль получил название неоклассицизма (т.е. новый классицизм).
168
Далеко не во всех странах неоклассицизм сменил рококо. Так было во Франции, в Италии и, отчасти, в Германии. В искусстве других стран, например в России, черты рококо и неоклассицизма оригинально переплелись.
В XVIII веке резко уменьшилась зависимость художников от частных заказчиков. Главным судьей произведений искусства стало общественное мнение. Появилась художественная критика, задачи которой заключались в оценке произведений искусства с точки зрения всего общества. Первые критики – выдающиеся философы Просвещения Дени Дидро, Жан Жак Руссо и другие – писали о театре, музыке, живописи.
Во Франции, где новые формы искусства возникали особенно быстро, важным событием художественной жизни стали публичные выставки, Салоны, которые ежегодно (начиная с 1667 г.) организовывала парижская Королевская академия живописи и скульптуры при поддержке двора. Успех в Салоне означал для живописца или скульптора настоящее признание, но добиться признания там было непросто. Произведения для Салона отбирала особая комиссия академии. Участвовать в этих выставках стремились не только французы, но и мастера из других стран. Постепенно Париж превратился в общеевропейский художественный центр.
В начале XVIII века стремление к камерному уюту при оформлении интерьеров после шумной и помпезной эпохи Людовика IV, провозгласившего «Государство – это я!», появилось в период регентства, когда после смерти Людовика XIV правление перешло к Филиппу Орлеанскому, регенту несовершеннолетнего Людовика XV, девизом которого было утверждение: «После меня хоть потоп».
Период регентства (1715-1723), когда искусство рококо получило широкое распространение, современники воспринимали по-разному. Одни видели в нем полное падение всех идеалов, развращенности нравов, утраты моральных и этических норм, другие – затянувшийся беспечный праздник, время легкомысленное и блестящее. Наиболее ярким выразителем этого переходного периода являлся французский живописец
Антуан Ватто (1684-1721).
169
Антуан Ватто родился в городе Валансьене, где видел работы голландских мастеров. Попав в 1702 году в Париж, он стал обучаться у театральных художников К. Жилло и К. Одрана, с тех пор театр стал для него очень близок.
ВПариже Ватто познакомился с известным тогда банкиром П. Кроза, который оценил по достоинству талант молодого живописца. Последователи Эпикура, древнегреческого философа, призывавшего искать в жизни прежде всего удовольствия, аристократы и интеллектуалы из окружения Кроза считали, что путь к счастью лежит через мечту, через умение превратить жизнь в некое возвышенное театральное действо.
Вдоме банкира устраивали так называемые «галантные празднества», настоящие спектакли, длившиеся неделями, необходимой частью которых был изощренный любовный флирт. Тонкая система ухаживаний, намеков давала возможность испытать особые чувства – сильные, яркие, но деликатные и утонченные.
Антуан Ватто, тонкий наблюдатель, сделал «галантные празднества» одной из главных тем своего творчества. Академия живописи, принимая
его в свои члены, должна была специально для него изобрести определение «мастер галантных празднеств». Одной из самых известных, ставшей любимой аллегорией стиля рококо, является картина «Паломничество на остров Киферу» или «Остров Киферы» (1717 г.).
Персонажи картины одеты по моде того времени, но Ватто переносит их в нереальный мир, к которому так стремились в своем воображении люди этого круга. Он изображает паломничество на Киферу – остров богини любви Венеры, куда она, по преданию, вышла из вод после своего рождения.
Беззаботность, гармония человека и природы, мягкие цвета – все это особенности искусства рококо. У Ватто цвета приглушенные и одновременно праздничные, краска нанесена тонким слоем, легкими мазками кисти, едва коснувшейся холста, формы скорее намечены, чем ясно прорисованы. Это хрупкое письмо и язык намеков замечательно подходит к теме его картины: в любви все невесомо и призрачно – речь,
170
замершая на полуслове, или внезапно брошенный взгляд могут сказать влюбленному и все и ничего.
Природа в этой картине уподоблена театральным подмосткам: с чувством свободы и непринужденности, владеющим людьми и амурами, перекликается буйство природы, пышная зелень огромных деревьев. Листва и небо, точно театральный задник, создают соответствующую действию обстановку. Вечереет, и небо, кажется, окрашивает беззаботные забавы легкой грустью: праздник любви закончится, влюбленные вернутся на свой корабль, и он перенесет их назад, в реальную жизнь. Амуры – единственные персонажи из античной мифологии, кого Ватто допустил на свое полотно. Художники рококо искали вдохновения в природе, обращаясь к изображению греческих богов только в шутку или романтических сценах. Амуры направляют шествие влюбленных к кораблю, который готов к отплытию. Действие картины разворачивается справа налево по линии, волны которой напоминают переливы мелодии. Исследователь творчества Ватто Камминг Р. отмечает сходство картин Ватто с музыкой Моцарта, утверждая: «Как музыка вызывает зрительные образы, так и живопись способна звучать. Надо лишь погрузиться в созерцание плавных линий и форм, мелких деталей, вникнуть в переплетение цветов и оттенков. В творениях Ватто и родившегося через 35 лет после его смерти Моцарта, при всем их различии, есть нечто общее». (Камминг Р. Живопись. 1995.С.61).
Каждая группа фигур – это и часть шествия, и самостоятельный эпизод. Действие можно прочесть как разворачивающуюся киноленту, последовательно рассказывающую о прогулке одной влюбленной пары.
«Галантные празднества» – это живописные элегии, бессюжетные лирические сценки, полные утонченной изысканности: кавалеры и дамы встречаются, танцуют, поют, они прелестны, наивны, нежны. К такому жанру принадлежат картины Ватто: «Праздник любви», «Урок любви», «Урок пения», «Затруднительное предложение» (все - 1718-1720 гг.). В этих картинах, с одной стороны, сквозит приглашение к вечному наслаждению, с другой – указание на эфемерность земного счастья и скорую пресыщенность земными удовольствиями.